Artistic Vision
In the early stages of a production, it’s important for me to work with the dancers without any other information than the movement, since the dissociation of the movement from other elements is the guarantor of artistic independence. The only element with which I communicate in the early phase of creating a piece is the surrounding space, including both the external space and the interior of the body. If we are to discuss architecture in dance art, it must be seen equally as a means of visualization inside and outside the body. Movement lived from the inside is the key to my art.
For me, a story told in pure movement is not even near completion. I thus confess myself to be a cultivator and refiner of movement. By the refinement of movement, I mean that each successive work contributes to a growing canon, a collection of significant movements and gestures. Some movement sentences have travelled along in my works for several years, and some may also resurface from long ago.
When creating movement, I need to get to the source, to the place where any emotion and any cluster of movements is possible. In this somewhat shamanistic state, the dancers around me and their capacity to pick up and remember movements and sensations are essential: In the early phase, the dancer is the witness to the birth of the movement, and thus becomes its midwife, helping it into existence. As a result, the dancer and I both symbiotically create the piece, though in theory the movement originates with me.Liikkeen luomisessa minun pitää päästä lähteelle, sinne missä mikä tahansa tunnetila ja mikä tahansa liikerypäs on mahdollinen. Tällaisessa, tavallaan shamanistisessa olotilassa, ympäröivät tanssijat ja heidän kykynsä napata ja muistaa liikkeitä ja tuntemuksia on oleellinen: Tanssija on alkuvaiheessa liikkeiden synnyn todistaja ja siinä mielessä tavallaan liikkeen kätilö, sen ulos auttaja. Olemme siis tanssijan kanssa symbioosissa synnyttämässä teosta, vaikka teoriassa liike tulee minulta.
Throughout my working history, it has been important for me to combine a kind of furious, expressionistic primitiveness with a monumental, architectural approach for stage design. In other words, my work takes place on the thin line separating the uncontrolled and controlled. In my pieces, this manifests on one hand as barely controllable outbursts of movement that emerge from deep within the body, and, on the other, as a precisely formed choreographic language. Läpi työskentelyhistorian minulle on ollut tärkeää yhdistää raivoisa ekspressionistinen primitiivisyys monumentaaliseen arkkitehtoniseen näyttämöajatteluun. Työskentelen näin hallitsemattoman ja hallitun rajapinnoilla. Tämä näkyy teoksissani toisaalta vaikeasti hallittavina sisäsyntyisinä liikkeen ryöppyinä ja toisaalta tarkkana muotokielenä.
But then: Even with all the sermonizing about the importance of movement, the most significant and insightful moment in the whole piece may be the part when everything is still and quiet – a tension is created on the stage. Often, movement takes away the waste and dirt of life, and it is beautiful to behold a dancer, relaxed, having given his or her all, after a dance full of rage and fury. With all this, we seek to shake the world off our shoulders, in order to peer into the core of our humanity.Mutta sitten: Vaikka kuinka paasataan liikkeen tärkeydestä, kaikkein tärkein ja oivaltavin hetki koko teoksessa voi olla se kohta, jolloin kaikki on paikallaan hiljaa – näyttämölle syntyy jännite. Usein liikkeellä tuodaan pois kuonaa ja elämän likaa, raivoisan ja vimmaisen tanssin jälkeinen kaikkensa antanut rento tanssija on kaunis näky. Kaikella tällä pyritään karistamaan maailma pois hartioilta nähdäksemme ihmisyyden ytimeen.
–Petri Kekoni